SEGREDOS E MENTIRAS

Habitualmente marcados por questões como a obsessão, a mentira, o desejo ou a culpa, a maioria dos filmes de Atom Egoyan carrega também uma estranha e inquietante aura que ajudou a distingui-lo enquanto cineasta singular e com um olhar próprio bem vincado em títulos como o soturno e brumoso “Exotica” ou o simultaneamente brilhante e angustiante “O Futuro Radioso”.

“Onde Está a Verdade?” (Where the Truth Lies), a sua película mais recente, evidencia também essas características ao seguir a investigação de uma ambiciosa jornalista dos anos 70 que tenta averiguar o que levou a que uma jovem aparecesse morta no quarto de hotel de dois famosos entertainers televisivos, incidente ocorrido duas décadas antes. No entanto, a busca da protagonista é atravessada por peripécias não menos problemáticas do que aquelas que conduziram à misteriosa morte que investiga, originando um intrincado jogo de enganos e ilusões condimentado por sexo, chantagem e manipulação.

Recolhendo influências do film noir, Egoyan propõe aqui um exercício onde, mais uma vez, destroça as máscaras das personagens e não hesita em expor o melhor e, sobretudo, o pior da sua humanidade, elemento sempre presente ao longo da teia de acontecimentos que envolve e atormenta o trio interpretado por Alison Lohman, Kevin Bacon e Colin Firth.
Porém, em “Onde Está a Verdade?” essa característica do seu cinema não se revela tão estimulante como noutros casos, uma vez que a abordagem é demasiado superficial, mais confusa do que complexa, e embora o argumento tente apresentar alguma vitalidade ao recorrer a diversas reviravoltas, estas tornam-se cansativas e algo forçadas, assim como a sobrecarga de flashbacks.

A própria atmosfera não é tão onírica nem enigmática quanto se esperaria em Egoyan, pois embora o realizador consiga proporcionar ambientes frios e clínicos (a banda-sonora ajuda), apropriados à história que pretende contar, estes nem sempre contêm a vibrante carga de sedução e visceralidade emocional necessária.

O resultado é, assim, mais estereotipado do que desafiante, interessante de seguir mas pouco memorável, e a ambiguidade que “Onde Está a Verdade?” ainda consegue criar deve-se sobretudo aos sólidos desempenhos de Firth e (principalmente) Bacon, cujas personagens carregam o filme às costas, do que à densidade do argumento ou à mestria da realização.

Um filme funcional e eficaz, mas incapaz de explorar de forma tridimensional a face mais negra, sórdida e arrepiante da esfera humana, algo que o cineasta já provou ser capaz de fazer. É caso para perguntar onde está Egoyan...

E O VEREDICTO É: 2,5/5 - RAZOÁVEL

O BOM REBELDE

Alvo de consideráveis elogios em alguns festivais internacionais por onde passou – como o de Berlim ou o de Cannes, que premiaram o actor principal, Lou Taylor Pucci -, “Chupa no Dedo” (Thumbsucker), a primeira longa-metragem de Mike Mills, realizador com experiência na área dos videoclips, tornou-se num dos maiores hypes do cinema independente americano recente, pelo que a sua estreia se aguardava com algum interesse.

Nos últimos anos, “Uma Pequena Vingança”, de Jacob Aaron Estes, ou “Donnie Darko”, de Richard Kelly, destacaram-se como brilhantes primeiras-obras indie que exibiam já grande maturidade e personalidade, mas “Chupa no Dedo”, apesar de uma certa onda de aclamação crítica, não está, infelizmente, à altura desses exemplos, o que não implica que seja uma película sem interesse.

O filme parte de uma premissa curiosa, focando um jovem de dezassete anos que tem desde a infância o vício de chuchar no polegar, hábito frequentemente repreendido pelos pais e ridicularizado pelo irmão mais novo.
Tímido, recatado e inseguro, Justin decide então resolver essa questão de vez e abandonar essa prática, e aos poucos vai (re)descobrindo a confiança em si próprio, adquirindo maior pragmatismo e evidenciando uma até então escondida capacidade de expressão, que se torna bastante útil em debates escolares.

Ainda que assente num ponto de partida algo invulgar, o argumento de “Chupa no Dedo” desenvolve-se depois de forma que, se não chega a ser descaradamente convencional, está pelo menos bastante próxima de muitas obras do cinema alternativo norte-americano, apostando no mesmo tipo de personagens, situações, ambientes e conflitos. Isso não chega para fazer deste um mau filme, longe disso, mas também não lhe permite que passe de um trabalho modesto e correcto que poderia ter ido bem mais longe.

Mike Mills acerta quase sempre, sem no entanto surpreender. A abordagem da solidão, adolescência, identidade, frustração, união familiar e, em última instância, das dificuldades e contingências das relações humanas, é feita com sobriedade e sentido de observação suficientes, mas sem rasgos. É tudo demasiado polido, e embora existam algumas zonas de sombra a complexidade emocional das personagens é só parcialmente explorada.

“Chupa no Dedo” é uma dramedy mediana, tem bons momentos de humor e de drama mas sem sempre bem conciliados, sofrendo ainda de um ritmo irregular e de uma narrativa pouco arriscada.
Felizmente, os actores são quase todos convincentes e elevam um pouco o material a que estão sujeitos, desde uma intrigante Tilda Swinton a um amargurado e vulnerável Vincent D’Onofrio, passando ainda por um surpreendente Vince Vaughn. Lou Taylor Pucci, no papel principal, não destoa, apesar do seu desempenho e personagem se assemelharem muito aos dos protagonistas de “Quase Famosos”, de Cameron Crowe, ou de “Conta-me Histórias”, de Todd Solondz. Já Keanu Reeves, não obstante o esforço, compõe um dentista zen sem grande chama.

O tom sereno e contemplativo de grande parte do filme quase faz esquecer que Mills provém de domínios dos videoclips, pois não se encontram aqui truques visuais especialmente arrojados, no entanto saúda-se o bom gosto na escolha da banda-sonora, com canções dos Polyphonic Spree e Elliott Smith.

“Chupa no Dedo”, mesmo desequilibrado e não trazendo nada de novo ao cinema indie – pelo contrário, há por aqui excessivos paralelismos com obras de Terry Zwigoff, Burr Steers ou Gus Van Sant (da fase menos ousada), entre outros -, é uma opção a considerar para quem quiser conhecer (mais) uma boa história de outcasts, losers e inadaptados. Tem, portanto, o suficiente para tornar Mills num realizador a merecer alguma atenção, e quem sabe se o seu próximo filme não será, de facto, brilhante…

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

SUNDAY NIGHT (ou MOMENTO ESTÚPIDO DA SEMANA)

Bem, a hipótese deste pedido ser bem sucedido deve ser de 1%, mas de qualquer maneira faço-o nem que seja como descargo de consciência... O que acontece é que ontem a Sunday Morning entregou-me finalmente o CD que tinha feito para a troca na última Blog Party (na foto abaixo), mas no meio da pressa para ir apanhar o comboio esqueci-me dele na sala de cinema, neste caso a do Monumental onde decorreu a sessão de "Capote" das 22h deste domingo.

Se por algum improvável acaso do destino alguém que leia estas linhas tiver conhecimento de alguém que o tenha encontrado, agradeço que o comunique. E desculpa, Sunday, quando me lembrei saí do metro e voltei à sala uns 10 minutos depois, mas já não havia sinal do CD :S

A propósito do destaque recente a "Witching Hour", terceiro álbum de originais dos Ladytron, o vídeo que inaugura a nova secção de videoclips é o de um dos singles desse disco, "Destroy Everything You Touch", que é também uma das canções mais viciantes que a banda já criou. Parece-me apropriado para acompanhar estes dias frios e chuvosos, e entretanto aguardam-se sugestões para outras canções ou artistas a rodar por aqui...

O QUE AS LETRAS DIZEM...

Cá vai um post fútil, apropriado a um dia pouco produtivo, com um teste sobre o "significado" do nome que anda a circular por aí (eu vi-o aqui):

G-Love is something you deeply believe in.
O-You love foreplay.
N-you are one of the best in bed
C-your wild and crazy
A-damn good in bed
L-You have a nice ass ;-)
O-You love foreplay.

S- people think ur hott and sexy
A-damn good in bed

Para quem quiser desvendar o "significado" do nome:

A-damn good in bed
B-you have a nice chest
C- your wild and crazy
D- you have trouble trusting people
E-your popular
F-People totally adore you
G-Love is something you deeply believe in.
H-You have very good personality and looks.
I- People love u for who u are.
J-Everyone loves you.
K- You like to try new things
L-You have a nice ass ;-)
M-success comes easily to you.
N-you are one of the best in bed
O-You love foreplay.
P-You are popular with all types of people.
Q-You are a hypocrite.
R-You are very hot and sexy!
S- people think ur hott and sexy
T-you areVERY WARM HEARTD
U-You are really chill.
V-You are not judgemental.
W-You are very broad minded.
X- You never let ppl tell u wat to do
Y- you are one of the hardest niggas alive
Z-You're Super cool.

COMPETÊNCIA PARA AMAR

Um filme baseado num romance de Jane Austen dirigido por um realizador oriundo da televisão não será, à partida, das propostas cinematográficas mais estimulantes, pois traz à memória associações com as muitas séries produzidas regularmente pela BBC, quase sempre competentes mas também algo indistintas e, sobretudo, raramente expondo inventivas ideias de cinema.

“Orgulho e Preconceito” (Pride & Prejudice), a primeira longa-metragem de Joe Wright, destaca-se, contudo, como uma obra refrescante que contorna, em parte, essa tentadora consideração inicial, apresentando méritos suficientes para se sobrepor à insipidez que caracteriza múltiplos objectos aparentados. Não que este filme de época seja especialmente inovador, mas a sua fluidez e leveza imprimem-lhe uma aura contagiante, e embora seja cinema de fácil digestão é elaborado com sensibilidade e alguma imaginação.

Mais próxima da comédia romântica do que do drama, esta adaptação do livro homónimo da autora inglesa narra o percurso dos orgulhosos e obstinados jovens Elisabeth Bennet e Mr. Darcy, apoiando-se em incisivas e por vezes hilariantes trocas de oportunos diálogos, numa realização e narrativa envolventes - bem distantes da monótona rigidez e exagerada teatralidade de inúmeros filmes de época britânicos (a sequência do baile é de antologia) - e num trabalho de reconstituição temporal (de meados do século XIX) que ganha ao fugir ao decorativismo pomposo e à opulência barroca.

Os actores são outro ponto forte, todos credíveis e talentosos, sendo o mais surpreendente o facto dos que se saem melhor nem serem tanto os veteranos já com créditos firmados – Brenda Blethyn cumpre mas abusa do registo histriónico, Judi Dench e Donald Sutherland são seguros porém iguais a si próprios -, mas os mais jovens e inexperientes, em particular o par central, composto por uma desenvolta Keira Knightley (“Colete de Forças” já sugeria e agora confirma-se que afinal há aqui uma actriz) e por um circunspecto e complexo Matthew MacFadyen, não esquecendo uma manipuladora e insinuante Kelly Reilly (em fase de ascensão).

Esta eficaz conjugação de elementos compensa ocasionais deslizes, evidentes no carácter demasiado caricatural de certas personagens secundárias (as da família da protagonista são o caso mais gritante), na previsibilidade do argumento ou em algum simplismo dramático, que não permite profundos mergulhos nas convulsões das relações humanas. Como um todo, no entanto, “Orgulho e Preconceito” é consistente e revela bom-gosto, impondo-se como uma muito aprazível proposta cinematográfica a descobrir.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

ESTREIA DA SEMANA: "TRANSAMERICA"

Mais uma quinta-feira e, como tem sido habitual nas últimas semanas, mais filmes nomeados para os Óscares a chegar a salas nacionais (três, neste caso). O destaque vai para "Transamerica", a primeira longa-metragem de Duncan Tucker e um dos filmes independentes norte-americanos mais elogiados de 2005.
Este drama familiar alternativo centra-se em Bree, uma transexual que procura fazer uma operação de mudança de sexo, e no seu filho adolescente cuja existência lhe era desconhecida. A protagonista, nomeada para o Óscar de Melhor Actriz Principal, é Felicity Huffman, mais conhecida como a carismática Lynette, uma das personagens centrais da série "Donas de Casa Desesperadas". Isto promete...

Outras estreias:

"Capote", de Bennett Miller
"Mrs. Henderson Presents", de Stephen Frears
"O Céu Gira", de Mercedes Álvarez

O FEITIÇO PERFEITO

O primeiro tema, “High Rise”, dominado por inesperados ambientes abrasivos resultantes do recurso às guitarras, sugere desde logo que os Ladytron de “Witching Hour” sofreram mudanças.
Essa primeira impressão confirma-se ao escutar os restantes temas do terceiro disco de originais do quarteto de Liverpool, que se nos registos anteriores provou ser uma das forças mais inventivas do electropop actual continua agora a surpreender ao apresentar ligações mais vincadas ao rock, não implicando isso um abandono da sonoridade que os distinguiu, mas uma melhoria desta.

“604”, de 2001, foi um dos bons álbuns de estreia do início do novo milénio, caracterizado por uma apelativa e complexa pop digital, a que “Light & Magic” deu continuidade um ano depois, sobrepondo as sombras à luz mas conservando as melodias viciantes.

“Witching Hour” é um ilustríssimo sucessor desses dois promissores testemunhos, destacando-se como o disco mais consistente dos Ladytron. A banda já havia provado ser exímia na construção de rebuçados pop perfeitos e agridoces, que apesar de acessíveis e directos não se esgotavam ao fim de algumas audições. Do emblemático “Playgirl” a “He Took Her To a Movie”, passando por “The Reason Why” ou “Flicking Your Switch”, boas propostas não faltavam. Faltavam, sim, álbuns que mantivessem sempre a intensidade desses grandes momentos, algo que nem “604” (prejudicado por diversos interlúdios) nem “Light & Magic” (demasiado longo e com composição irregular) conseguiram proporcionar. “Witching Hour” lima essas arestas e revela-se um portentoso exemplo de uma banda em ebulição criativa ao manifestar solidez do início ao fim, oferecendo um apetitoso cardápio de canções.

Mais atmosférico e menos clínico do que os seus antecessores, é um disco já não tão próximo de referências da pop electrónica, como os Human League ou Kraftwerk, mas antes de nomes associados ao indie rock e shoegaze, estabelecendo elos fortes com os Lush ou os Curve.

A melancolia continua a ser o sentimento dominante, mas agora a postura das vocalistas Helen Marnie e Mira Aroyo é menos apática e distante, gerando episódios de maior dramatismo e introspecção. Lamenta-se que Aroyo esteja menos presente do que o habitual, cedendo o protagonismo a Marnie, mas a cantora búlgara consegue, ainda assim, triunfar e inquietar no soberbo “Fighting in Built Up Areas”, uma assombrosa canção elíptica onde a banda integra influências industriais, aliando-as a um irresistível apelo dançável com um efeito devastador.

“Sugar” é um momento não menos intenso, dominado por sonoridades mais agressivas do que as dos singles anteriores dos Ladytron, com um muito conseguido cruzamento entre as repetitivas frases cantadas por Helen Marnie e o turbilhão visceral das guitarras, que a espaços quase sugere o efeito da imponente wall of sound de uns My Bloody Valentine.
“Beauty*2”, diametralmente oposta, mais pausada e contemplativa, expõe uma tensão emocional raras vezes emanada pelo grupo, edificando um dos momentos mais amargurados do disco. A amargura, assim como a solidão e o isolamento, também se encontram presentes em “AMTV”, embora este seja um tema mais interligado a domínios electroclash (com que muitos quiseram rotular a banda, mas que se evidencia como uma catalogação redutora).

Pontuado por diversas canções de elevado calibre, “Witching Hour” contém, no entanto, duas praticamente insuperáveis: “Destroy Everything You Touch”, um magnífico exercício electropop e sério candidato a melhor single de sempre do grupo; e “International Dateline”, um invernoso, claustrofóbico e angustiante lamento em forma de música, ambos com uma genial configuração e manipulação de texturas que pedem múltiplas audições.

Absorvente, onírico e constituído por vibrantes brumas e melodias, “Witching Hour” é não só o melhor disco dos Ladytron mas também um dos mais estimulantes de 2005, um concentrado da melhor pop que consolida o jovem quarteto como um dos nomes vitais do cenário musical actual. Indispensável.

E O VEREDICTO É: 4/5 - MUITO BOM

MAIS DO MESMO

Há dois anos, “Saw – Enigma Mortal” constituiu, para alguns, uma interessante revisitação do thriller urbano, ancorado num serial killer que se dedicava a massacrar as suas vítimas com apurados requintes de malvadez e sadismo.
O filme de James Wan tornou-se numa obra de culto e chegou a ser comparado com “Sete Pecados Mortais”, pelo tipo de atmosferas e referências, embora o seu nível de inspiração e consistência ficasse muito aquém do que tornou a película de David Fincher num título de recorte superior.

“Saw II – A Experiência do Medo” é a obrigatória sequela, motivada decerto pelos relativos bons resultados financeiros do primeiro filme, e não se distancia muito do episódio anterior, centrando-se noutras personagens mas seguindo pressupostos semelhantes.

Desta vez, o vilão Jigsaw é encontrado pela polícia mas isso não implica que os seus jogos de manipulação e violência terminem, pois este revela a Eric Matthews, um dos agentes, que encarcerou o seu filho e outras sete pessoas numa casa, situação que se torna mais problemática quando os prisioneiros dispõem de poucas horas de vida. Jigsaw é o único que poderá salvá-los e impedir que uma toxina os mate, mas para isso Matthews deverá ouvi-lo e obedecer-lhe.

Propondo mais um exercício de suspense, “Saw II – A Experiência do Medo” pouco inova face ao filme antecessor, possuindo os mesmos defeitos e (escassas) virtudes. Darren Lynn Bousman, que ocupa agora a função de realizador, não se revela muito imaginativo, apresentando um trabalho de câmara demasiado colado ao de James Wan, mas ainda menos conseguido, abusando de uma efervescência visual que poderia ser absorvente se não se perdesse numa montagem epiléptica que confunde dinamismo com tensão.

O facto do argumento colocar oito personagens num espaço fechado a lutar pela sobrevivência não é especialmente inovador e já foi feito de forma mais convincente em “Cubo”, de Vincenzo Natali. A ideia poderia voltar a resultar aqui, caso a maioria dos prisioneiros não fossem tão descartáveis e mal interpretados, e embora haja alguns twists razoáveis é ridículo que nenhuma das vítimas consiga resolver o enigma inicial à partida.

Apesar da fraca direcção de actores, Tobin Bell consegue fazer de Jigsaw um vilão com algum interesse e o jovem Eric Knudsen, no papel de filho do detective, é um dos poucos prisioneiros que gera alguma empatia, ainda que não cheguem a ser personagens com grande espessura dramática.
Também interessantes são as discretas ligações com os acontecimentos que decorreram no episódio anterior, que originam uma das melhores surpresas de “Saw II – A Experiência do Medo”, mas nada isto chega para que este seja um filme especialmente marcante ou recomendável.
Quem não aprovou o primeiro dificilmente se deixará envolver por este, enquanto que os restantes poderão dar-lhe o benefício da dúvida, mas pouco encontrarão de novo, entusiasmante ou memorável por aqui.

E O VEREDICTO É: 2/5 - RAZOÁVEL

ACÇÃO EM LOS ANGELES

Apesar de só agora se estrear na realização, Shane Black não é propriamente um novato em domínios da sétima arte, pois escreveu os argumentos de alguns filmes de acção como “A Fúria do Último Escuteiro”, “O Último Grande Herói” ou os da célebre saga “Arma Mortífera”.

“Kiss Kiss, Bang Bang”, se por um lado não se afasta muito de territórios em que Black se destacou – situando-se entre o policial e a comédia -, também não se limita a ser mais do mesmo, uma vez que é um buddy movie que se desenvolve com uma refrescante criatividade, pegando nas convenções do género e satirizando-as.

Divertido e empolgante, o filme assenta nas peripécias de Harry Lockhart, um ladrão que acidentalmente vai a um casting e acaba por ser escolhido para protagonizar um filme de Hollywood. No entanto, de forma a estar pronto para o papel, Harry terá de aprender como agir como um detective privado, condição que o obriga a acompanhar as missões de Gay Perry, um dos agentes mais reputados e exímios do ramo.

Oferecendo várias sequências hilariantes baseadas em equívocos e mirabolantes coincidências, “Kiss Kiss, Bang Bang” é um conseguido entretenimento muito acima dos banais e formulaicos filmes de acção que chegam frequentemente de território norte-americano.

O mérito é não só de Shane Black, que proporciona um escorreito trabalho de argumento e realização (por vezes com grandes ideias visuais, como no cativante genérico ou na concepção de envolventes atmosferas nocturnas), mas também de Val Kilmer, na pele do frio e austero detective gay, e de Robert Downey Jr., que encarna o azarado mas bem-intencionado protagonista. Este último, sobretudo, é especialmente seguro, comprovando que é um grande actor de comédia, capaz de construir uma personagem carismática e que facilmente estabelece empatia com o espectador, mesmo com o mais sisudo.

Embora o filme seja acessível e ligeiro, opta mais pelo recurso a um humor bem delineado e com sentido de oportunidade do que a gags de gosto duvidoso (ainda que também os haja), alicerçando-se num elenco com química, espontaneidade e noção de timing cómico.

O desenvolvimento das personagens é tão esquemático e limitado como nas películas que “Kiss Kiss, Bang Bang” satiriza e as resoluções dos mistérios que marcam a narrativa são mais forçadas do que credíveis, mas esses aspectos pouco importam quando o filme funciona enquanto um bem confeccionado exercício de estilo desconstrutor de clichés, com um ritmo imparável e uma boa disposição contagiante. Quem procurar mais do isso entrará na sessão errada, mas dificilmente dará por perdida uma agradável hora e meia.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

ESTREIA DA SEMANA: "WALK THE LINE"

Em dia de estreias cinematográficas, chega a salas nacionais um dos filmes mais nomeados para os Óscares (em cinco categorias), "Walk the Line".
No entanto, o número de nomeações nem é o mais apelativo da película, mas antes o facto de se tratar de uma perspectiva sobre parte da vida de Johnny Cash e da relação do mítico cantor com June Carter.
O duo protagonista, constituído por Joaquin Phoenix e Reese Witherspoon, é bastante promissor (e foi premiado nos Globos de Ouro) e o realizador de serviço, James Mangold, já provou, com "Vida Interrompida", por exemplo, ser capaz de contar bem uma história (embora "Kate e Leopold" e "Identidade Misteriosa" não abonem muito a favor da sua filmografia). Boa ou má (em breve saberei), é a minha aposta da semana.

Outras estreias:

"Aeon Flux", de Karyn Kusama
"Bambi 2 - O Grande Príncipe da Floresta", de Brian Pimental
"Os Três Enterros de um Homem", de Tommy Lee Jones
"Syriana", de Stephen Gaghan
"Vai e Vive", de Radu Mihaileanu

MUSIC MAKES THE PEOPLE COME TOGETHER

Depois da primeira bloggers' joint, há cerca de um mês, a segunda voltou a incluir jantar de bloggers seguido de migração para a sessão dos Electrodomésticos no Incógnito, na passada sexta-feira.
Para além da maioria dos elementos presentes no primeiro encontro - os tais que criaram o blog das pataniscas - ter comparecido novamente, registaram-se algumas caras novas, casos do JAP e Monalisa, do Joaomiguel, do Ricardo e amigo desconhecido e do par.

Desta vez, o jantar contou com um atractivo especial: a troca de discos entre grande parte dos participantes, que incluiam temas seleccionados pelos próprios. Aquele que talvez tenha sido o mais disputado da noite, criado pela Sunday Morning, veio parar-me às mãos, e o que eu levei está agora com a Myself (estima-o bem!).

Já no Incógnito, a ementa sonora contou com a habitual dose de música temperada por (muitas) electrónicas e (poucas) guitarras, com alguns momentos muito bons a cargo dos Editors (grande "Munich"!), Placebo ("One of a Kind", um dos picos do novo álbum), Franz Ferdinand (num episódio out of control), The Prodigy, Interpol, Ladytron ou Primal Scream. Entretanto apareceram por lá mais bloggers (é verdade, andam em todo o lado...) como o Life Chaser e o Randomsailor, que conheci após mais de um ano de troca regular de posts, ou o Nuno e o Mr. S..

Se a primeira joint correu bem, acho que a segunda não correu pior, por isso presumo que para o próximo mês há mais. Caso haja algum blogger interessado em aderir, é favor dirigir-se aqui.

Este é o alinhamento do cd que levei e que pertence agora à Myself, "Indie Rock n' Roll for You":

Black Rebel Motorcycle Club - "Love Burns"
Soulwax - "Conversation Intercom"
Le Tigre - "Tres Bien"
The Dandy Warhols - "Everyone is Totally Insane"
Alpinestars feat. Brian Molko - "Carbon Kid"
The Killers - "Smile Like You Mean It"
Curve - "Die Like a Dog"
Nine Inch Nails - "Dead Souls"
Rammstein - "Stripped"
Depeche Mode - "John the Revelator"
Placebo - "Bigmouth Strikes Again"
Bloc Party - "Pioneers"
Sneaker Pimps - "Loretta Young Silks"
Garbage - "Use Me"
Goldfrapp - "Deep Honey"
The Postal Service - "Clark Gable"
Arcade Fire - "Rebellion (Lies)"
Flunk - "Blue Monday"

A RAIZ DO MEDO

Marcado por filmes desinspirados e preguiçosos, o terror é um dos géneros cinematográficos que já viu melhores dias do que os dos últimos anos. Ainda há algumas boas obras a surgir pontualmente, como “A Cabana do Medo”, de Eli Roth, ou “Terra dos Mortos”, de George Romero, mas por cada uma dessas há quatro ou cinco de qualidade duvidosa, na linha de “The Grudge – A Maldição” ou “Águas Passadas”.

“A Descida” (The Descent), segunda película do britânico Neil Marshall, embora parta de uma premissa que de original não terá muito, consegue injectar vitalidade ao género e tornar-se numa das grandes surpresas recentes, comprovando que ainda há quem tenha boas ideias e igual mestria para as executar.

O filme assenta numa viagem empreendida por um grupo de seis jovens mulheres que, de forma a fugirem às preocupações e dilemas do quotidiano, decidem apostar numa aventura radical explorando uma gruta situada num local agreste e isolado.
Se ao início o ambiente é pacífico e despreocupado, vincado por conversas divertidas e pelo reforço dos laços de amizade que as unem há vários anos, essa situação sofre alterações à medida que o grupo vai avançando na sua aventura, deparando-se com perigos inesperados que suscitam conflitos pessoais, agravados quando as protagonistas descobrem que, afinal, não estão sozinhas na sua expedição.

“A Descida” é uma viagem atípica e memorável, não só para as personagens, que sofrem um verdadeiro teste à sua coragem e capacidade de improviso, mas também para o espectador, que se arrisca a ter suores frios e a sentir o seu ritmo cardíaco a acelerar à medida que vai seguindo as arrepiantes peripécias das seis amigas.

Para que este worst case scenario funcione as capacidades do realizador são determinantes, e Marshall revela estar à altura para a missão, oferecendo sequências de considerável eficácia.
O uso da iluminação é particularmente engenhoso, pois ajuda a distinguir as personagens no meio da escuridão claustrofóbica e permite gerar alguns saborosos momentos de suspense (com generosas doses de gore), mostrando só aquilo que é necessário e jogando com as expectativas do espectador.

Essa subtileza manifesta-se também na banda-sonora e fotografia, capazes de modelar uma sufocante atmosfera plena de intensidade, proporcionando um concentrado de medo e desespero em tudo distinto à pirotecnia histérica de muitos produtos em que o terror plastificado norte-americano tem sido pródigo.
Mesmo quando as protagonistas se deparam com os assustadores habitantes do subsolo, a plausibilidade e realismo d’”A Descida” mantêm-se intactos, e é refrescante ver personagens que não se tornam em heróis de acção para acentuar a espectacularidade ou a vibração do filme (não há por aqui Laras Crofts, como de resto uma mulheres ironiza).

O esforço das actrizes também é notório e reforça a intrigante aura do filme, e apesar de nem todas as protagonistas serem tridimensionais estão acima das figuras descartáveis que caracterizam muitas películas do género.
A relação das duas aventureiras mais proeminentes é especialmente interessante, não limitando “A Descida” a domínios do terror mas valorizando-o com uma vital carga dramática, construindo um conflito que se torna inquietante até ao final.

Não é fácil criar um filme que desperte uma sensação de enclausuramento e pânico tão fortes, mas Neil Marshall é bem sucedido e edifica aqui uma asfixiante experiência sensorial, a que mesmo os mais destemidos dificilmente permanecerão indiferentes. Não é um clássico, mas está bem acima da média.

E O VEREDICTO É: 3,5/5 - BOM

VERSION 2.0

Não, este post não é sobre os Garbage, mas para informar que o segundo episódio da saga da patanisca realiza-se hoje à noite e que, à semelhança do primeiro, inclui jantar de bloggers e sessão electrodoméstica no Incógnito.

Entretanto, a imagem da Shirley Manson aparece aqui porque:
a) é mais apelativa (julgo eu) do que a foto de uma patanisca (ou talvez não, para alguns patanisqueiros ferrenhos, e eu sei que os há...)
b) fiz um CD para troca com alguns dos participantes e sim, inclui Garbage

E não, infelizmente ainda não é desta que a Shirley estará presente (mas tem pena).
A friday night fever segue dentro de momentos...

ESTREIA DA SEMANA: "O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN"

Aquele que é já um dos filmes incontornáveis deste ano chega hoje a salas nacionais, e se estiver à altura dos inúmeros elogios e distinções de que tem sido alvo será certamente um dos melhores.
Nomeado para oito Óscares, "O Segredo de Brokeback Mountain" (Brokeback Mountain) apresenta a interligação de dois jovens cowboys, o ponto de partida para Ang Lee oferecer um retrato das relações humanas e dos elementos que as influenciam e limitam ou, dito de uma forma provavelmente mais simplista, o primeiro western gay, que é como muitos o catalogam.
Ainda não vi o Jake Gyllenhaal num mau filme, e parece-me que ainda não será desta, espero...

Outras estreias:

"A Caixa Negra", de Richard Berry
"Aposta de Risco", de D.J. Caruso
"Dizem por Aí...", de Rob Reiner
"Pecado Capital", de Mikael Håfström, o realizador de "Cruel"
"Tiros Certeiros", de Charley Stadler

BOA MÚSICA PARA AS MASSAS

Se na década de 90 os Depeche Mode atravessaram uma fase marcada por várias convulsões internas, que quase levaram à sua dissolução (como a saída de Alan Wilder ou os problemas pessoais de Dave Gahan), o grupo também se debateu com alguns problemas durante a entrada para o novo milénio, pois “Exciter”, o seu álbum de 2001, teve uma recepção algo distante tanto por parte do público como da crítica, sendo um dos seus trabalhos menos inspirados.

Esse factor não fez parar os elementos da banda, já que tanto Dave Gahan como Martin Gore editaram discos a solo (ainda que não muito convincentes) e o tríptico “Remixes 81-84” ofereceu remisturas de canções dos Depeche Mode por parte de nomes como os Goldfrapp, Air ou Kruder & Dorfmeister.
Nada disto impediu, no entanto, que um novo registo de originais do trio fosse esperado com expectativa, e mesmo que “Playing the Angel”, de 2005, não esteja à altura das mais optimistas, não deixa de ser um regresso em forma.

Evidenciando um grupo igual a si próprio, o álbum reúne as atmosferas densas e enigmáticas em que os Depeche Mode se especializaram ao longo dos anos, e apesar de “Precious”, o primeiro single, apostar numa electropop discreta e apaziguada, a maioria dos restantes temas estão contaminados por consideráveis doses de negrume e aspereza.

“A Pain That I’m Used To”, a faixa de abertura, contém um jogo de guitarras e electrónicas industriais simultaneamente rude e melódico (próximo dos domínios mais pop de “With Teeth”, dos Nine Inch Nails), e a canção seguinte, a superlativa “John the Revelator”, é ainda mais portentosa e viciante, recuperando as influências gospel de “Songs of Faith and Devotion”, mesclando-as com um travo digital e esculpindo um dos melhores momentos do disco.

Infelizmente, grande parte dos temas de “Playing the Angel” não são do calibre destes dois, pois embora sejam geralmente agradáveis, enveredam por territórios mais acomodados e sem grande ousadia.
Episódios etéreos, contemplativos e excessivamente longos como “I Want it All” ou “The Darkest Star” são disso exemplo, assim como “Macro” e “Damaged People”, onde Martin Gore ganha protagonismo vocal mas fica abaixo do carisma e carga dramática de Dave Gahan (que, mais uma vez, comprova ser um dos grandes vocalistas das últimas três décadas).

“Nothing’s Impossible” e “Lilian”, menos midtempo, optam por uma conseguida claustrofobia gótica, salientando-se como os dois grandes momentos da segunda metade do álbum, e é pena que a banda nem sempre mergulhe neste tipo de ambientes, pois revelam-se os mais satisfatórios (tendo gerado magníficos resultados em “Ultra”, que é ainda o último grande disco do grupo).

Adulto, sofisticado e introspectivo, “Playing the Angel” não acrescenta muito ao que os Depeche Mode já fizeram, mas atesta que o trio ainda é capaz de proporcionar um bom conjunto de canções, o que não deixa de ser notável tendo em conta a sua longevidade, algo de que nem todos os projectos de hoje que surgiram nos anos 80 (ou mesmo 90) se podem orgulhar.
A devoção pode, então, continuar, e espera-se que não termine tão cedo.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

O MUNDO AO CONTRÁRIO

Centrado em questões polémicas e actuais, “O Pesadelo de Darwin” (Darwin’s Nightmare) é a visão do realizador austríaco Hubert Sauper sobre as consequências de uma experiência científica decorrida durante a década de sessenta, no Lago Victoria, na Tanzânia, onde foi inserida uma nova espécie de peixe, a perca do Nilo, que se alimentou das outras já existentes e provocou alterações consideráveis no ecossistema local.

No entanto, aquilo que por um lado foi um desastre ecológico, mostrou-se comercialmente rentável, pois a perca do Nilo disseminou-se rapidamente e foi alvo de grande procura externa, sendo exportada para os mercados europeu e japonês.
Embora este negócio seja lucrativo, não gerou uma melhoria das condições de vida da maioria da população circundante, entregue a recursos escassos e a perspectivas de vida limitadas, e é o reflexo desta mudança nos habitantes da área que “O Pesadelo de Darwin” explora, não poupando ataques ferozes ao lado mais dúbio da globalização.

Sauper tem aqui um tema rico e pertinente, mas o seu documentário nem sempre o trabalha de forma interessante. O realizador proporciona alguns bons retratos do dia-a-dia de pobreza dos pescadores e prostitutas (as profissões mais recorrentes e viáveis), assim como das inquietações das crianças de rua, captando alguns testemunhos impressionantes mas nunca seguindo a via fácil de um sensacionalismo estridente e manipulador (o resultado é assim mais subtil do que se fosse criado por um Michael Moore).
O problema é que “O Pesadelo de Darwin” nem sempre entrelaça os seus elementos de forma conseguida, contendo muitos momentos dispensáveis e repetitivos, gerando algum marasmo na narrativa.

É um projecto com intenções meritórias, na medida em que coloca questões acerca do conteúdo das cargas dos aviões que transportam, alegadamente, mantimentos para a Tanzânia, por exemplo, ou por contrastar comissários económicos, pilotos ou industriais com problemáticas incómodas e de difícil resposta.
Embora estes aspectos sejam interessantes, não têm um enquadramento formal à altura, já que Sauper tem escassas ideias de cinema e o seu estilo nunca se afasta de um modelo televisivo e indistinto, caindo na rotina.

Mesmo que “O Pesadelo de Darwin” seja um objecto cinematograficamente pobre, consegue oferecer algumas cenas marcantes, fruto da incisiva investigação do realizador, como as que focam a forma como a perca do Nilo é tratada e armazenada (e cujas condições de higiene, segundo o que Sauper mostra, são bastante diferentes das que um comissário europeu defende), as peripécias perturbantes protagonizadas pelos miúdos de rua (sobretudo o episódio em torno da lata de arroz) ou os comentários de um residente da área acerca da guerra.

Infelizmente, momentos destes são apenas pontuais, porque durante grande parte a sua duração “O Pesadelo de Darwin” fica aquém do documentário que poderia ter sido.
Presume-se, então, que as múltiplas distinções de que o filme tem sido alvo – nomeação para os Óscares, Prémio de Melhor Documentário nos Prémios Europeus de Cinema, assim como troféus nos festivais de Veneza, Paris ou Chicago – sejam principalmente devido à ideia-base, porque a concretização, essa, deixa a desejar, o que num caso destes é forte pena.

E O VEREDICTO É: 2/5 - RAZOÁVEL

O QUE FOI VOLTA A SER

Uma das mais recentes bandas nova-iorquinas a revisitar sonoridades pós-punk/ new-wave – à semelhança dos The Strokes ou Interpol, entre outros -, os The Bravery apresentam, no seu álbum de estreia homónimo, onze canções vincadas por um rock dançável, por vezes musculado, onde as guitarras, sintetizadores e teclados convivem com igual protagonismo.

A receita não é nova, e se já foi implementada em inícios da década de 80 tem sido reutilizada por uma série de novos grupos que reclamam influências desse período enquanto base para novas explorações musicais que, na maior parte dos casos, não deixam de exibir traços do presente.

Depeche Mode, Duran Duran, The Cure ou New Order são algumas as referências mais óbvias que emanam de “The Bravery”, em canções onde o indie rock se cruza com a electropop, mas o disco deste quinteto nova-iorquino exibe também semelhanças com as aventuras recentes dos The Faint, The Strokes ou The Killers.

O resultado é assim derivativo, mas não deixa de ser eficaz, com refrões fortes e apelativos assentes em melodias bem trabalhadas. A herança do passado manifesta-se até na voz de Sam Endicott, que tanto se aproxima da de Robert Smith como da de Simon LeBon, evidenciando ainda paralelismos com a de Julian Casablancas.

Mais imediato do que denso ou profundo, “The Bravery” perde em personalidade aquilo que ganha em sensibilidade pop, contendo uma dose de canções suficientemente enérgicas e contagiantes como o single “An Honest Mistake”, uma convidativa porta de entrada para o álbum, o envolvente “Give In” ou o igualmente portentoso “Unconditional”.
No entanto, os temas funcionam melhor isoladamente do que em conjunto, pois falta ao disco alguma heterogeneidade, o que leva a que muitas das suas canções sigam a mesma estrutura e recorram a soluções melódicas demasiado similares, expondo alguma redundância.

Não sendo uma banda particularmente inventiva, os The Bravery conseguem, contudo, proporcionar uma estreia convincente, longe da genialidade mas com alguns momentos irresistíveis. Um disco agradável, embora não muito recomendável para quem é avesso à pop mais lúdica e despretensiosa.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

ICH MÖCHTE ZUM KINO GEHEN

Começou no passado dia 1 e decorre até dia 17 no cinema King (dias 1-8) e no Goethe-Institut (dias 13-17, com entrada livre) o 3º Festival de Cinema Alemão, cujo programa inclui filmes recentes e inéditos em salas nacionais, mostrando que há películas refrescantes a descobrir para além de "Adeus Lenine!", "Os Edukadores" ou "Sophie Scholl - Os Últimos Dias", alguns dos exemplos mais mediáticos dessa cinematografia.

Se os títulos em exibição estiverem ao nível dos de dia 2, então trata-se de uma proposta bastante recomendável, uma vez que tanto "Kebab Connection" (uma divertidíssima mistura de kung fu + Romeu e Julieta + choque de culturas + drama sobre o crescimento) como "Alone" (um interessante retrato da solidão e da dilaceração emocional, ainda que não tão perturbante como o também alemão "The Forest for the Trees") foram agradáveis surpresas.

A programação completa do festival está aqui e parece promissora, assim como me parece que vou ter uma overdose cinematográfica (no bom sentido) nos próximos dias...

ESTREIA DA SEMANA: "MUNIQUE"

Nomeado para cinco Óscares (confesso que não esperava tanto destaque), "Munique" (Munich) dá continuidade à carga negra que os filmes de Spielberg têm apresentado ultimamente (basta relembrar o brutal "Guerra dos Mundos") e centra-se no ataque terrorista decorrido durante os Jogos Olímpicos de 1972, quando onze atletas israelitas foram mortos por um grupo extremista palestiniano.
Este é o ponto de partida para uma reflexão acerca de um dos conflitos mais controversos e mediáticos dos dias de hoje, e que por isso tornou o filme num objecto polémico mas certamente interessante (espero).

Outras estreias:

"Na Escuridão", de John Fawcett
"O Leopardo", de Luchino Visconti
"Rent", de Chris Columbus
"Wolf Creek", de Greg McLean